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Jan 24, 2024

Die 10 besten Ausstellungen im August 2023

Von Alfredo Jaar in Hiroshima bis hin zu 3D-Memes und Avantgarde-Tanz – unsere Redakteure verraten, worauf sie sich diesen Monat freuen. Ayesha SinghNature Morte, Neu-Delhi, 24. August – 24. September Nehmen wir mal an

Von Alfredo Jaar in Hiroshima bis hin zu 3D-Memes und Avantgarde-Tanz – unsere Redakteure verraten, worauf sie sich diesen Monat freuen

Ayesha SinghNature Morte, Neu-Delhi, 24. August – 24. September Angenommen, Sie könnten ein Kunstwerk als den Abschluss einer Liste spezifischer Zutaten betrachten, die in der richtigen Reihenfolge zusammengestellt, bei der richtigen Temperatur und Zeit gegart und dann auf dem richtigen Servierteller angeordnet werden. Wenn man versteht, wie die Teile das Ganze bilden, lässt sich viel leichter verstehen, wie und warum ein Werk eine bestimmte Form annimmt. Und das ist zum Teil das, was Ayesha Singh in den letzten Jahren auszupacken versucht. Sie ist vor allem für ihre architektonischen Skulpturen bekannt, wie zum Beispiel ihre Serie Hybrid Drawings (2015–), deren Umrisse aus Stahlrahmen auf brutalistischen, indo-sarazenischen und Mogul-Architekturstilen (unter anderem) basieren; und Provisional Obstruction (2017–), ortsspezifische Strukturen aus Gerüstmaterial, an denen Banner mit Darstellungen historischer Architektur befestigt sind. Aber während diese großformatigen skulpturalen Werke (die man betreten und umrunden kann) das Ergebnis von Singhs Befragung der Präsenz kolonialer Gebäude und Denkmäler und der daraus resultierenden Kollateralschäden und Löschungen an der Geschichte der Stätten und der dort lebenden Gemeinschaften sind, hat sie noch mehr zu bieten arbeitete kürzlich an einer gemeinsamen Workshop-Reihe mit dem Titel Ingredients of Encounters (2019–). Für diese Begegnungen laden Singh und der Künstler Jyothidas KV die Teilnehmer ein, jeweils „Zutaten“ (Gegenstände, Materialien, essbare und ungenießbare Dinge) mitzubringen, mit denen sie eine Geschichte erzählen möchten. Nach dem gemeinsamen Teilen und Auspacken dieser Zutaten (die Elemente der Performance und Poesie umfassen) werden sie in Zementformen von Gebäuden gegossen – „um Zufälle konkret zu machen“. Fi Kirchenmann

Amazon BiennaleBelém,4. August – 5. November Die Exklusivität der alten Machtachse Rio de Janeiro-São Paulo in der brasilianischen Kunstwelt bricht langsam zusammen (im 20. Jahrhundert entsprach dies in etwa der Tatsache, dass die Künstler in Rio lebten, während das Geld in São Paulo verdient wurde), und es gibt immer mehr Platz Galerie- und Museumswände für Künstler aus dem Norden und dem Landesinneren werden immer häufiger verfügbar. Betreten Sie nun die erste Bienal das Amazônias, die in der Stadt Belém an der Mündung des Flusses Tejo stattfindet. Eine schwergewichtige, rein weibliche Kuratorengruppe wird eine 121-köpfige Mischung aus namhaften Künstlern leiten, die mit der Region und ihrer reichen afrobrasilianischen und indigenen Kultur verbunden sind, sowie weniger bekannten Künstlern aus Kolumbien, Peru, Venezuela, Ecuador, Bolivien, Guyana und Frankreich Guayana und Surinam. Zu den möglichen Höhepunkten zählen der Einheimische Eder Olivera, der für seine riesigen Wandgemälde bekannt ist, die mit Medienbildern von schwarzen Männern der Arbeiterklasse spielen; Surinamischer traditioneller Maler Kit-Ling Tjon Pian Gi; und die betont satirischen Collagen von Gê Viana. Oliver Basciano

Eins und eins zwei: Edward Yang RetrospektiveTaipei Fine Arts Museum, bis 22. Oktober Yi Yi: A One and a Two (2000) war mein erster Edward-Yang-Film. Das dreistündige Werk dreht sich um eine taiwanesische Familie, die in einer Mittelklasseblase steckt. In mehreren Erzählsträngen kämpft jedes Mitglied durch seine eigenen Kämpfe und Verwirrungen in verschiedenen Lebensabschnitten. Der chinesische Titel Yi Yi, der wörtlich „eins“ bedeutet, besteht aus zwei horizontalen Linien (一一), die bei vertikaler Anordnung (wie auf dem Ausstellungsplakat) zu zwei parallelen Linien (二) werden. Es erinnert an den fünfjährigen Sohn der Familie, Yang-Yang, der sich fragt, ob wir im Leben immer nur „die Hälfte von dem sehen können, was passiert“, da wir nicht in der Lage sind, hinter unseren Rücken zu sehen. Diese Retrospektive des verstorbenen taiwanesischen Regisseurs folgt einer dreijährigen Forschungsarbeit, nachdem Yangs Witwe, die Pianistin Kaili Peng, sein riesiges Archiv 2019 dem Nationalen Filmzentrum Taiwans (heute Taiwan Film and Audiovisual Institute) gespendet hatte. Zu sehen wird es nie zu sehen sein Zeichnungen, Tagebuchnotizen, Projektvorschläge und persönliche Briefe, die sich durch Yangs Karriere ziehen und uns zumindest einen Blick auf die andere Seite seiner Filme, wenn nicht sogar auf unseren Hinterkopf, ermöglichen. Yuwen Jiang

Antoine Loncle: Devil's CurryHin Bus Depot, Penang, 5. – 27. August Wenn Sie noch nie Devil's Curry gegessen haben, empfehle ich Ihnen, sich etwas zu besorgen. Es handelt sich um ein sehr scharfes Serani-Gericht, das in vielen malaysischen Haushalten bekannt ist und dessen Schärfe seinen Namen verrät. Die kommende Ausstellung des malaysischen Fotografen Antoine Loncle betrachtet jedoch genau dieses Gericht als Ausgangspunkt für die Erkundung des multiethnischen Erbes der Serani-Völker. Loncle informiert den Zuschauer, dass die Eurasian Association of Penang seiner Mutter kurz nach seiner Geburt mitgeteilt habe, dass er aufgrund der französischen Abstammung seines Vaters als Serani der „A-Klasse“ gelte. Die Bevorzugung europäischer Abstammung ist für diejenigen, die mit dem Postkolonialismus vertraut sind, keine Überraschung, aber der Künstler sagt, dass die jüngsten Spannungen innerhalb der eurasischen Gemeinschaft von Penang die Parameter des Serani-Erbes in Frage stellen. Loncle verbindet diese Authentizitätsdebatten mit dem zunehmenden Diskurs um Devil's Curry, ein von Natur aus multikulturelles Gericht, das es mit der fotografischen Tradition und Identität der Serani zu hinterfragen gilt. Marv Recinto

Varo Remedies: Science FictionsArt Institute of Chicago, 29. Juli – 27. November Letztes Jahr stand ich in der Peggy-Guggenheim-Ausstellung Surrealism and Magic: Enchanted Modernity lange Zeit da und schaute mir Remedios Varos Papilla Estelar (Celestial Pablum) (1958) an – auch weil ich wusste, dass ich irgendwann wieder in den Kampf eintauchen musste Eröffnungswoche der Biennale von Venedig. Aber in Wahrheit blieb ich stehen, denn beim Anblick dieses Gemäldes einer hageren, blonden Frau, die in einem Turm sitzt und einer in einem Vogelkäfig gefangenen Mondsichel Sternenstaub füttert, kam mir „Eleanor Rigby“ (1966) der Beatles in den Sinn. Tatsächlich sehen viele der Figuren in Varos surrealistischen Gemälden wie einsame Menschen aus. Sie bedienen Geräte, reisen in unmöglichen Schiffen, testen alchemistische Transformationen oder beschwören Geister. Sie sitzen in Türmen, durchstreifen Wälder, überqueren Bergketten oder lernen am Schreibtisch. Sie sind Mischwesen, Wissenschaftler, Musiker, Ingenieure, Mystiker. Im Art Institute of Chicago werden mehr als 20 Gemälde gezeigt. Daneben werden Materialien aus Varos Archiven – Skizzen, persönliche Gegenstände, Notizbücher usw. – den Besuchern weitere Einblicke in die Erkundungen der Künstler zu Themen wie Psychologie, Mystik, Ökologie und ( pseudowissenschaftliche Erfindung. Fi Kirchenmann

Ein von Libaniz Niche geteilter Beitrag (@libaniz_niche)

Libaniz Niche: Safiye AestheticTAKEOVER, bis 2. September Hier ist die Sache: Ich möchte „Samesies“ sagen, wenn ich mir die neueste Ausstellung von Libaniz Niche ansehe. Eine vom französisch-libanesischen Art Director Philippe Matta und der armenisch-libanesischen Künstlerin Vana Terzian gegründete Instagram-Meme-Seite über libanesische Kultur und Lebensstil warnt mich: „Nur ✨Libaniz✨ wird es verstehen.“ Lassen Sie mich an dem Witz teilhaben, könnte ich jammern; Ich liebe Memes! Leider bin ich weder Libaniz noch Libanese, daher finden die kulturspezifischen und memerischen Beiträge von Libaniz Niche bei mir nicht ganz so großen Anklang. Ich kann in ihren Collagen-ähnlichen Beiträgen eine gewisse Vertrautheit entdecken – wie „2013-15 NIGHTS VIBES“, in dem ein zertrümmertes iPhone, ein Autoladegerät, Snapchat, ein weißer Converse-Hoodie, ein Abercrombie & Fitch-Hoodie und ein Standbild aus dem YouTube-Video „Charlie the Unicorn“ aus dem Jahr 2005 zu sehen sind ' erscheinen – was mich in meine eigene jugendliche Nostalgie zurückversetzt. TAKEOVER, der von Künstlern geleitete Raum aus Beirut, verspricht, dass Libaniz Niche seine Memes von 2D in 3D übersetzen wird, um „die Essenz der Sommerzeit im Libanon einzufangen“. Für diejenigen unter Ihnen, die es verstanden haben: Was gibt es Schöneres, als Internet-Witze in die Realität umzusetzen und ein wenig sommerliche Sentimentalität zu genießen? Marv Recinto

Madame Song: Wegweisende Kunst und Mode in ChinaM+, Hongkong, bis 14. April 2024 Madame Song (Song Huai-Kuei), die 2006 starb, war nicht gerade eine „Künstlerin“ im herkömmlichen Sinne des Wortes. Aber sie war in dem neuen Sinne, für den sich M+ eingesetzt hat. Das ist der Sinn, der Filme, Mode, Design und Lifestyle-Entscheidungen in die warme Umarmung von „Kunst“ einbezieht. Der großzügige Sinn; im Gegensatz zum gemeinen, defensiven, engstirnigen Sinn der Kunsthistoriker, Ästhetiker oder Deutschen. Einfacher ausgedrückt war Madame eine Künstlerin, mit der sich die Menschen identifizieren konnten und die sie sein wollten, und keine Künstlerin, die einfach nur verblüffte. Madame studierte Kunst an Chinas gefeiertem CAFA in Peking (wo sie ihren Ehemann, die bulgarische Wandteppichistin Maryn Varbanov, kennenlernte – für ihre Mischehe musste sie später die Erlaubnis des chinesischen Ministerpräsidenten Zhou Enlai einholen) und arbeitete zusammen mit ihrem Ehemann als Künstlerin Das Paar zog nach Sofia, aber sie war auch Schauspielerin, Prominente und Unternehmerin. Was heutzutage als Influencer bezeichnet wird. Sie förderte Pierre Cardin und die Restaurantmarke Maxim's in China sowie die chinesische Kultur (und ihren Ehemann) im Ausland. Wenn Sie rund 130 Outfits von Madame (viele davon aus Cardins Laufstegshows), eine Reihe weicher Skulpturen und Wandteppiche, Filmrequisiten sowie zahlreiche Archivdokumente durchstöbern, werden Sie darüber nachdenken (zumindest wenn M+ dies getan hat). hat seinen großen Charme auf Sie ausgeübt), dass hier die chinesische Kunstwelt, wie wir sie heute kennen, ihren Anfang nahm. Was Sie danach denken, ist Ihre eigene Sorge. Nirmala Devi

Rachel Eulena WilliamsDundee Contemporary Arts, 26. August – 19. November Im vergangenen April trat die 32-jährige Rachel Elena Williams in einer Gruppenausstellung in der New Yorker Galerie Nicelle Beauchene zusammen mit Künstlern einer früheren Generation wie Susan Cianciolo auf, für die sich die Malerei auf Modedesign, Stickereien und eine Reihe kultig tragbarer Kollektionen erweiterte. Williams beschrieb es später mit dem Titel „Wie man aus dem Rechteck befreit wird“ als „Liebesbrief an die Anti-Form“. Es ist eine treffende Zusammenfassung ihrer äußerst taktilen Arbeit, die gegen die Ränder von Malerei und Skulptur, gegen Quadrate und Rechtecke stößt und die Leinwand vom Keilrahmen entkoppelt. Das Seil baumelt lose über collagierte Siebdrucke oder hängt gefärbte Leinwandfragmente in einer Kaskade in Stücken auf, die irgendwo zwischen sorgfältigem Chaos und kontinuierlichem Zusammenbruch schweben. Mit ihren Primärfarben und der klebrigen Oberfläche aus Acrylfarbe haben diese Werke einen Hauch von Kinderspiel, wobei das Drehen und Wenden von Seilen alles heraufbeschwört, vom kitschigen Reiz neuartiger Strohhalme bis hin zum Schwindelgefühl der Schwimmbeckenrutsche in einem Ferienresort . In ihrer neuesten Ausstellung bei Dundee Contemporary Arts stellt die amerikanische Künstlerin in ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Großbritannien eine neue Werkreihe vor und bringt ihre mutierenden Formen und schmelzenden Formen in die kühle Kühle der industriellen Küstenstadt Schottlands. Louise Benson

Alfredo Jaar: „THE END³“ SCAI Piramide, Tokio, bis 30. September Alfredo Jaar – berühmt für seine Projekte, die sich mit Krieg, Gewalt und deren problematischer Darstellung in den populären Medien befassen – hat eine Geschichte mit Hiroshima. 1995 widmete der chilenische Künstler der Stadt ein Werk für die Sonderausstellung zum 50. Jahrestag des Atombombenabwurfs auf Hiroshima „After Hiroshima – Message from Contemporary Art“ (im Hiroshima MOCA). In diesem Jahr kehrt Jaar mit einer Karriereumfrage an die Institution zurück, nachdem er den 11. Hiroshima-Preis gewonnen hat. Gleichzeitig mit der Preisverleihung und der anderen Retrospektive des Künstlers im chilenischen Nationalmuseum der Schönen Künste in Santiago präsentiert das SCAI Piramide Jaars jüngstes Stück Silent Flash (2023). In der horizontalen, drei Meter langen Fotosequenz, die auf einem metallischen Leuchtkasten montiert ist, blickt Jaars Drohnenkamera auf das Hiroshima Peace Memorial – das einzige Gebäude, das von den Trümmern des Bombenangriffs übrig geblieben ist – als ob es die Perspektive der A-Bombe imitieren wollte selbst. Dann stürzt sich die Drohne auf das Gebäude zu, die Bilder kommen immer näher, bevor sie in einer brutalen Nahaufnahme enden. Zwei weitere Installationen, darunter eine in Zusammenarbeit mit seinem langjährigen Freund Daido Moriyama, werden ebenfalls zu sehen sein. Yuwen Jiang

Current DanceModern Museum, Buenos Aires, 3. August – 31. Dezember Letztes Wochenende bin ich zum ersten Mal seit Jahren wieder in den Club gegangen, nachdem ich einem von ArtReview sanktionierten Wutausbruch gefolgt bin. Die Bewegungen, die ich auf der Tanzfläche ausführte, waren jedoch nicht genau die, die man in „Danza Actual“ antreffen könnte (es sei denn, man ist tatsächlich ein postmoderner Tänzer und seine Abende ähneln improvisierten Darbietungen). Ziel dieser Ausstellung ist es, neue Forschungen und Rahmenbedingungen der avantgardistischen Tanzszene von Buenos Aires aus den 1960er Jahren zu präsentieren. Das Museum positioniert den modernen Tanz im Lichte der weiblichen Befreiungsbewegungen des Landes und plädiert für „Tanz als eine Praxis der Störung und Freiheit, die mit der Konstruktion einer regionalen Identität verbunden ist“. Mit Gruppen wie Danza Actual und Laboratorio de Danza bis hin zum Instituto Di Tella, dem Teatro de la Alianza Francesca und der Asociación Amigos de la Danza verspricht Danza Actual einen bedeutenden Beitrag zur interdisziplinären Erforschung des postmodernen Tanzes zu leisten. Und wer weiß, vielleicht entdecken Sie sogar ein paar neue Moves für Ihr nächstes Fest. Marv Recinto

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