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Jan 13, 2024

Die Verbindung von Tanz und Skulptur schafft eine neue Sicht auf die Kunst

Werbung Unterstützt von: Eine Ausstellung in der Barnes Foundation in Philadelphia ist eines von mehreren aktuellen Projekten, die beide Formen nutzen, um zu untersuchen, wie Menschen mit Kunst interagieren. Von Precious Adesina

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Eine Ausstellung in der Barnes Foundation in Philadelphia ist eines von mehreren aktuellen Projekten, die beide Formen nutzen, um zu untersuchen, wie Menschen mit Kunst interagieren.

Von Precious Adesina

Berichterstattung aus London

Der Chicagoer Künstler Brendan Fernandes braucht seine Werke nicht, um sich in eine bestimmte Kategorie einordnen zu lassen. „Die Leute fragen: ‚Ist das eine Requisite? Ist es eine Skulptur? Ist es ein Kunstwerk?' Und ich denke: ‚Es sind all diese Dinge‘“, sagte er kürzlich am Telefon.

Sein langjähriges Interesse an der Verbindung von Tanz und Skulptur konzentriert er nun auf das Werk des Künstlers William Edmondson aus dem frühen 20. Jahrhundert. Fernandes hat ein Stück geschaffen, das in einer Retrospektive von Edmondsons Praxis „A Monumental Vision“ zu sehen ist, die bis zum 10. September in der Barnes Foundation in Philadelphia läuft.

Mit der Präsentation von Fernandes‘ Werk schließt sich das Barnes einer Reihe von Institutionen und Künstlern weltweit an, die die Medien Tanz und Skulptur kombinieren, um zu hinterfragen, wie Menschen mit Museen und bildender Kunst interagieren. Die Kuratoren der Ausstellung, James Claiborne und Nancy Ireson, hofften, dass Fernandes‘ Tanzstück, das als Reaktion auf Edmondsons Steinschnitzereien entstand, „neue Sichtweisen fördern würde“, sagte Ireson. Die Arbeit „Returning to Before“ wird ab Freitag als fortlaufende Live-Performance im Museum gezeigt.

Claiborne erinnerte sich, Fernandes 2022 an der Rutgers University einen Vortrag halten zu hören, in dem er den Punkt erörterte, ab dem „Objekte zu Kunstwerken werden und ab wann sie berührt werden können“. Claiborne fügte hinzu, dass dies sein Interesse daran geweckt habe, wie „Museen oft Kunstwerke und Objekte von spiritueller und kultureller Bedeutung aus ihrem ursprünglichen Kontext lösen“ und ihm bei der Konzeption des Barnes-Projekts geholfen habe.

Fernandes sagte, „Returning to Before“ sei „ein einstündiges Stück, aber es gibt Momente, in denen die Tänzer zu Statuen werden.“ Sie halten inne, um nachzudenken oder auszuruhen, aber auch, um die Positionen von Edmonsons Skulpturen nachzuahmen. „Sie meditieren“, fügte er hinzu. „Sie schaffen diesen Raum der Ruhe im Museum.“

„Museen sind choreografierte Räume“, sagte Fernandes und fügte hinzu, dass Choreografie „eine Reihe von Regeln“ sei, denen die Menschen folgen. Im Whitney Museum stellte Fernandes 2019 „Master and Form II“ aus, ein skulpturales Werk aus schwarzem Gerüst, das in einen Stahlkäfig umgewandelt wurde. Bei Aufführungen, die eine erhebliche körperliche Ausdauer erforderten, hingen Balletttänzer an Teilen der Struktur, balancierten darauf und sprangen darüber.

„Man geht in ein Museum, man fasst die Dinge nicht an, man redet nicht“, sagte er. In Werken wie „Master and Form II“ spielte er „mit diesen Etikette und transformierte sie“, sagte er.

So wie Fernandes‘ Werk mit Edmondsons Skulpturen im Barnes interagiert, hat die amerikanische Künstlerin Carrie Mae Weems den Tanz genutzt, um langjähriger visueller Arbeit eine neue Bedeutung zu verleihen. In ihrer Videoarbeit „Holocaust Memorial“ aus dem Jahr 2013 bewegt sich Weems ehrfürchtig zwischen den Säulen des Berliner Denkmals „Denkmal für die ermordeten Juden Europas“, klatscht und wiegt die Arme.

Es gab viele Diskussionen darüber, wie Besucher mit der 2005 eröffneten Gedenkstätte interagieren, einschließlich Kritik an Menschen, die Selfies machten oder für andere Fotos zwischen oder sogar auf dem Säulengitter posierten.

Weems‘ Bewegung zwischen den Objekten des Denkmals, die ebenfalls mit der Kamera festgehalten wurde, zielte darauf ab, das „gemeinsame Gefühl des Kampfes“ zwischen schwarzen und jüdischen Gemeinschaften hervorzuheben, so ein Zitat der Künstlerin in einer aktuellen Retrospektive ihrer Arbeit im Barbican Centre in London. Auf einer Ausstellung in Stuttgart zeigte Weems im vergangenen Jahr erstmals Standbilder aus der Serie „Holocaust Memorial“.

Vor diesen neueren Werken hat der amerikanische Künstler Nick Cave einen Großteil seiner Karriere damit verbracht, Tanz und Skulptur zusammenzubringen. Seit 1991 hat Cave mehr als 500 „Soundsuits“ – lebendige, tragbare Skulpturen – hergestellt, die in Museen auf der ganzen Welt ausgestellt wurden. Cave habe lange darüber nachgedacht, wie verschiedene Museen Kunstwerke von ihrem ursprünglichen Zweck trennen, sagte er

Die Soundanzüge wurden auch in zahlreichen Tanzstücken in Kunsträumen getragen, wobei die Bewegung der Darsteller in den Anzügen den „Klang“ erzeugte. Für Cave lässt sich die Idee von Skulpturen in Museen „interpretieren“, sagte er. „Eine Skulptur ist etwas, das einem von allen Seiten in seiner vollen Gestalt begegnet. Wir bewegen uns um eine Skulptur herum, wir betreten und verlassen eine Skulptur. In meinem Fall kann man der Träger sein, oder man kann sich die Skulptur in einem performativen Kontext vorstellen.“

Ähnlich wie bei der Zusammenarbeit der Barnes Foundation zwischen Fernandes' Tanz und Edmondsons Skulptur suchten Museen und Galerien laut Ireson nach „neuen Wegen, um relevant zu bleiben“.

Bewegung versetzt Menschen in „einen kontemplativen Raum“, sagte Claiborne, der neue Wege der Auseinandersetzung mit bildender Kunst eröffnen kann.

Er fügte hinzu: „Tanz wird zu einer Möglichkeit, stillen Objekten neues Leben zu verleihen.“

In einer früheren Version dieses Artikels wurde fälschlicherweise auf Brendan Fernandes verwiesen. Er ist ein kenianisch-kanadischer Künstler mit Sitz in Chicago, kein Autodidakt aus Tennessee; Diese Beschreibung trifft auf William Edmondson zu.

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